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REMENDO: A gente se propõe a escrever crítica, a gente vai e pesquisa, só que daí o fato é que os TRÊS textos abaixo de TRÊS PESSOAS DIFERENTES que tiveram semanas pra fazer o serviço contêm uma omissão que é pura patacoada: “Cheli” é uma versão de “Ilyne”, música lançada pela banda Exile One, de Guadalupe, no álbum Face Au Public, em 1975, e composta por dois de seus membros: Gordon Henderson e Julie Mourillon. Não fosse pela imediata reação de nosso amigo Victor Zalma, que conhece muito de música caribenha, talvez a gente morresse sem descobrir e, pior, dando tapinha nas costas um do outro e dizendo “pouhan, que pesquisaço esse teu, véi!”, “que nada, tu que sois foda, sabe tudo da parada”. Pois é. Ajuda ser a Internet terreno minado de desinformação e, dado o preconceito contra o gênero, a música brega sofrer de modo particularmente grave com isso? Claro que não, fera, e a velocidade com que Zalma apontou o erro mostra que há canais sim pra se tentar minimizar os danos e o mais óbvio e certo é ouvir música, conhecer as coisas na origem, se cutucar pra conhecer mais e, consequentemente, não ficar à mercê de fichas técnicas furadas. Em tempo: os textos permanecem inalterados, porque nada mudou de nossa opinião. “Cheli” continua com todos os seus méritos, inclusive porque tem uma pegada diferente da original. Sabe a versão de Bauhaus pra “Ziggy Stardust” de David Bowie? “Cheli” é meio que essa vibe. A estrutura é a mesma, mas o calor e o tchans é outro.

Atenção: abaixo segue três textos diferentes escritos cada um por um autor diferente.

Faço de meu hit o que quero: Conde é mais que “Cheli”.
Augusto SóSucesso!

Dentro da série de textos sobre one hit wonders (algo como um só sucesso nas paradas, em português), se torna um tanto injusta a ilustre presença do nosso ex-candidato a prefeito do Recife, o único e indômito Conde, vocalista da banda Só Brega. Conde e a Só Brega foram junto com Kelvis Duran, Vício Louco, Kitara, Labaredas, Banda Lapada e a Banda Metade de Michelle Melo, um dos responsáveis pela explosão comercial do brega em meados de 2000, em um movimento tão forte que ajudou a estourar a bolha do preconceito ligado ao ritmo, impulsionando-o dos estúdios de fundo de quintal e das festas de associações e clubes dos subúrbios para as festinhas e hostes da classe média. Se hoje um Shevchenko e Elloco tocam no RecBeat ou Musa do Calypso e Sedutora já são considerados artistas e divas pop, muito se deve a esse quase-movimento que envolveu uma associação única entre produção, distribuição e divulgação só possível a partir de certos avanços tecnológicos. Um gravador de CD e uma impressora criaram toda uma indústria de auto-pirataria de fazer inveja à onda de mixtapes do hip-hop americano. Aqui, faz-se mister uma breve explicação e digressão sobre o caráter da música brega no Recife: apesar de nos anos 2000 chegar a ter seu próprio festival e tudo (o Abril pro Brega, em uma genial paródia ao Abril Pro Rock), o brega no Recife não teve esse caráter de movimento unificado por uma estética homogênea como o tecnobrega do Pará, ainda que compartilhe de suas origens como indústria de massa gambiarrística, mas antes foi uma conjugação de forças que já vinham se alinhando há quase uma década e que tem como origem dois marcos específicos: as fitas k-7 piratas de cúmbia/salsa/merengue vendidas no sebo do INSS da Av. Dantas Barreto e as festas da Cubana no Alto Santa Teresinha e do Clube das Pás no Prado – todas na cidade de Recife.

Ainda me lembro, no auge dos meus 18 anos, indo comprar vinis de rock nesse sebo e por acaso ser agraciado com a escuta de alguns sons latinos pela primeira vez. Sons que mais tarde iriam se tornar bastante familiares a partir de um combo de curiosidade, disponibilidade e preços acessíveis dos vinis: Bienvenido Granda, Perez Prado, La Sonora Dinamita, Los Graduados, Trini Lopez, entre outros. Todos estes artistas acabaram por se imiscuir em minha formação roqueira e abrir a derradeira porta mais tarde para bandas como Só Brega, Labaredas, Walter de Afogados e Banda Camelô. Não era uma questão de ser cult, mas era a mais derradeira comprovação da veracidade do pequeno slogan que a indústria fonográfica brasileira encontrou nos anos 70 para promover seu produto a um status mais elevado: “Disco é Cultura”. Foi essa cultura de comprar e colecionar discos de vinil que me fez conhecer esses universos completamente diversos daqueles que eram esperados para um fã de punk rock. Frequentar o sebo do INSS, mais do que qualquer outro nos anos 90, era como estar em uma aula de world music: do brega ao forró, passando pelo universo da música romântica francesa e espanhola, guaranias, música de terreiro, sambas de toda ordem e o hard rock farofa dos 70 e 80 (de Nazareth a Dire Straits) e muita mas muita cúmbia, salsa e merengue.

Se por um lado, tínhamos como mentor punk Will da Vinil e seus ensinamentos acerca do universo em três acordes, era nos sebos do Centrão que nos deparávamos com a diversidade da música popular, que despertava a curiosidade menos pelas capas do que pelas sonoridades traduzidas na pergunta: quem é esse que está tocando? Essa era a chave para todo um aprendizado inesperado acontecer, pois cada sebista era um profundo conhecedor não só do valor, mas também das características musicais de seu produto, verdadeiras Wikipédias ambulantes, que infelizmente com a fetichização do vinil acabou por criar, hoje, uma casta de exploradores que se disfarçam de conhecedores apenas para lhe empurrar um disco que custou cinquenta centavos por cinquenta reais. Era comum você encontrar um Johnny Cash raro importado ao lado de um disco do Crass, tudo por cinquenta centavos.

Mas deixando a nostalgia e retroísmo de lado, o que tudo isso tem a ver com “Cheli” e o Conde do brega da Só Brega?

Acontece que no meio desse caldeirão de cores, nomes e sons, vez ou outra tínhamos a oportunidade de escutar a já então crescente cena do brega recifense. Apesar da memória falha, tenho quase certeza de escutar Labaredas pela primeira vez no INSS e muito provavelmente devo ter ficado ombro a ombro com o Conde do Brega, pois nessa época, em que gravadores de CD eram basicamente inexistentes, assim como os estridentes e onipresentes carrinhos de vender CD que povoaram o Recife nas primeira décadas do milênio (diga-se de passagem os maiores divulgadores e distribuidores do brega na cidade), a forma que esses artistas se utilizavam para divulgar sua música era a fita k-7 vendida no sebo do INSS, ou seja, além de influenciar na música desses artistas, esse espaço perdido entre prédios, no fim da avenida que leva do nada a lugar nenhum, acaba por tornar-se um centro de distribuição e divulgação desse novo brega menos “carbonário” (de Carbonos, a banda que tocou em 8 de 10 discos de brega dos anos 70/80) e bem mais caribenho.

A música do Conde é fruto desse processo e “Cheli” com certeza um dos seus mais bem acabados produtos. Além da forte influência de cúmbia e merengue, “Cheli” compartilha um pouco do espírito indômito de um Tito Puente, com seus andamentos progressivos, viradas de tempo e pausas dramáticas. Sem dúvida uma grande canção que junto com “Não Devo Nada a Ninguém”, “A Vida é Assim” e “Saudade de Rosa” (versão de mesmo nomes da de Bartô Galeno, minha preferida) fazem da obra do Conde um grande festival de hits da Só Brega, pra vocês!!!

>>Pra sacar mais, clique no amarelinho:

Eleição municipal do Recife em 2004 [Ano de candidatura do Conde Só Brega, Wikipédia] | Kelvis Duran | Vício Louco | Kitara | Labaredas | Banda Lapada | Banda Metade | Shevchenko & Elloco | RecBeat [Site Oficial] | Musa do Calypso | Sedutora | “Mas Afinal o que é uma Mixtape?” [Matéria do site Caboindex] | Abril pro Brega [Facebook] | Bienvenido Granda | Perez Prado | La Sonora Dinamita | Los Graduados | Trini Lopez | Walter de Afogados | Banda Camelô | “Disco é Cultura: um tempo de incentivos fiscais para a indústria fonográfica” [Sobre o slogan “Disco é Cultura”, no site IMMuB] | Nazareth | Dire Straits | Os Proletários [banda na qual Will da Vinil era vocal, YouTube] | Johnny Cash | Crass | Carrinhos de vender CDs  | “Merecia o Guinness? Banda brasileira pode ter gravado 50 mil músicas”, por André Barcinski [Blog do Barcinski, UOL] | Tito Puente | Conde Só Brega, “Não Devo Nada a Ninguém” | Conde Só Brega, “A Vida é Assim” | Conde Só Brega, “Saudade de Rosa” | Bartô Galeno, “Saudade de Rosa” |

Conde Só Brega é esse Caribe no meu peito.
Mateus SóSucesso!

Recife é um pedaço do Caribe no Brasil, e o Conde Só Brega é um nó disso. Engraçado que essa tese não é abertamente defendida em praça pública nem é consenso. Porém, curiosamente descobri essa citação de Chico Buarque sobre uma fala de Gabriel Garcia Márquez:

“Gabriel Garcia Márquez, que foi um dos que me convidaram quando fui pra Cuba pela segunda vez participar do Festival Califiesta, defende a teoria de que o Brasil, da Bahia para cima, faz parte do Caribe”.

O Brasil tem essa mania feiosa de ensimesmar-se. É como se tudo brotasse daqui, da genialidade única do nosso povo. Isso é mais ou menos compreensível, afinal o país é um continente, daí fica naquelas de achar que é mais continente que o restante do continente no qual tá.

A música brega não é uma cria brasileira ilhada. Aqui ali a gente acaba descobrindo uma ou outra música que é versão de uma outra gringa, tipo “Dizem que Sou Louca”, da Banda Kitara, versão de “Loca” de Thalia – mexicana –, ou “Baby Fala pra Mim”, da Musa do Calypso, que é versão de “Quelqu’un M’a Dit” de Carla Bruni – franco-italiana. Não entender isso é achar que o povo é um bichinho engaiolado na “nação”, além de esquecer o papel da indústria cultural no meio de tudo. Mais que isso, à última letra, quem escuta rádio é um apátrida na real.

“Cheli”, do Conde, tem puxada de cúmbia. Aliás, o som do Conde é um entreposto da música cafona da década de 1970 com ritmos latinoamericanos no qual já ali, na década de 2000, apontava pro melody que apareceria tempos depois, sub-gênero do brega que iria se desenvolver com bandas como Musa do Calypso e Sedutora, no qual o romantismo e a melodia (daí o nome) dão o acento. Recheada por uma tecladeira oitentista radiofônica, “Cheli” é um dois pra lá dois pra cá regado pelo chiado da simulação de maracas num Yamaha. Resumo de muito daquilo que era vendido nos piratões de Casa Amarela – bairro popular de Recife –, onde a salsa de Célia Cruz convivia com Agnaldo Timóteo num mesmo fluxo, “Cheli” é música de salão. Nela, há uma relação direta entre o que se escuta com a maneira com que se dança. Pra captar qualé a do som é preciso sentir o cheiro, o suor e o corpo daquele ou daquela com quem se baila – é preciso “chambregar”, como ainda se diz aqui. Tudo aquilo que eu não aprendi, frustração de criança.

Cidade patusca, Recife é feita de música a toda hora. Até por isso, já foi considerada uma das cidades com maior poluição sonora do Brasil – olha, já vi em algum canto que essa poluição era na real uma das maiores do mundo, mas não encontrei nenhuma referência na internet, daí só sobra a megalomania em linha reta da minha memória de nativo, fica o dito pelo não dito. Andar por Recife é ter música sem parar nos ouvidos. Bem, isso era um pouco mais forte antes da pandemia, até porque tudo ficou menos intenso, muita gente morrendo, falta de grana, galera mais em casa, é inevitável que as ruas fiquem um pouco mais vazias, mas não totalmente – é, seria ideal que fosse totalmente, só que fazer o quê? As coisas não estão mais as mesmas, não dá pra estarem. Bem, de qualquer modo, a rua ainda é o espaço do frege e do som alto.

Andando pela cidade você escuta, hoje, muito brega-funk, é verdade. Mas ao andar pela periferia, aqui acolá a gente se depara com um coroa ouvindo uma cúmbia, um merengue etc. Nunca entendi muito como isso se deu, donde isso nasceu etc, mas é bem comum ouvir ritmos do restante da América Latina nos morros e comunidades de Recife. Domingão, música da porta pra rua, sempre alta, pessoal conversando na frente de casa, às vezes uma bebida com um tiragosto, alto-astral.

O Conde é em parte resultado dos hábitos auditivos locais, em que autores como, tipo, um Evaldo Braga, cantor romântico do qual ele já se declarou fã, são reverenciados. E para além, “Cheli” possui, assim como várias músicas latinas, aquele chiadinho no tweeter das caixas de som evocando o pé que arrasta no chão enquanto se arrasta o parceiro ou a parceira nos limites da pista. No meio de tudo, o vozeirão do Conde é todo dengo e angústia, “é muita letra!” e sofrência. E por cima, vai e vem o som dos metais temperando, mais parece que tão te empurrando pra sair dali da quininha do salão, enchendo de endorfina, ensolarando o rosto em um sorriso aberto e fácil. Eu… no cantinho… querendo dançar, sem conseguir, empulhado porque fico receoso de pisar no pé da moça, toda vez que me meto a fazer isso sempre piso, frustrado mas alegre, como na época em que ia prum fliperama ver os outros jogarem, mas sem nenhuma vontade de fazer o mesmo pra não levar um “Adugue!” de Ryu do Street Fighter, pirando nos outros guris fazendo arrelia com os bonequinhos. Tonto de felicidade, me vejo chamando por Cheli na cabeça, e ali, ao longo desta festa imaginária, aquela moça na minha frente mas que eu nunca vou conhecer porque não consigo dançar juntinho. Poxa, como ela é bonita, deve ser massa puxar pra lá puxar pra cá sentir o cabelo dela bater na minha cara aglomerando com todo mundo fazendo o mesmo (antes da pandemia), mesmo que não rolasse nada demais, a gente ao menos teria um primeiro contato, eu ia sair do flerte – ia, né? –, ei, aquele outro figura teve… “coragem”, putz, ele sabe dançar bem, putz, sou um merda, vey… E o Conde chamando por Cheli, muito bem, poeta, obrigado por me acompanhar na assistência, trazer nessa noite de solidão essa companhia, vaga e etérea mas companhia…

Terminou tudo, voltei sozinho, meio bêbo, feliz pela noitada (hipotética mas típica), como foi bonito, gosto amargo de Teatchers com água de coco, acho que em algum momento de amanhã vou vomitar, será?, capotei…

“…sem você não sei viver, Cheli, meu amor, meu bem-querer, Cheli!”

>>Pra sacar mais, clique no amarelinho:

“Desvendando o Caribe no Pará”, por Bernardo Faria [Site BregaPop] | Banda Kitara, “Dizem que Sou Louca” | Thalia, “Loca” | Musa do Calypso, “Baby Fala pra Mim” | Carla Bruni, “Quelqu’un M’a Dit” | “Música brega: uma breve história (para ler e ouvir)” [Site Cidadão Cultura] | Sedutora | Celia Cruz | Agnaldo Timóteo | “Pesquisa traça o mapa dos bairros mais e menos barulhentos do Recife”, por Ciara Carvalho [Jornal do Commercio] | “Hit Contagiante – Felipe Original feat. Kevin O Chris | FitDance TV (Coreografia Oficial)” [YouTube] | Evaldo Braga | “Variaciones de maraca de cumbia colombiana” [YouTube] | “Hadouken!!! Street Fighter 2 Black Belt Ryu” [YouTube] | “Clube da Sudene: Banda Labaredas” [YouTube] |

Conde do Brega, “Cheli”. É fácil (e é fácil mesmo).
Aroldo SóSucesso!

Falar de música popular procurando objetividade quando se é mais um amante (ou amador, cuja etimologia e significado atual também têm a ver com “amor”) do que um teórico sistemático pode dar uma dor de cabeça enorme. Porque a gente carrega uma paixão que tende a interferir em nossa percepção de áreas cinzentas, de reconhecer qualidades em território inexplorado ou distante do coração.

O amante/amador tem que se vigiar porque tende à apologia do que se cristaliza como objeto de amor, e ao desprezo, que pode virar ódio, do que lhe soa vulgar e eventualmente vil. É óbvio que estou falando de e por mim, mas, por convivência e observação, conheço o tipo. A força nefasta da polarização que já se dá na origem, ou seja, quase como essência, do universo da música pop, que nasceu/cresce parcialmente sobre uma estrutura mercadológica (não à toa a artificialidade é uma ameaça constante), precisa ser desconstruída o tempo todo por uma modulação do coração: há que se abrir ao novo, mas também de entender que o que não bate às vezes não é para bater mesmo, porque simplesmente não se casa com nossa sensibilidade, e, mesmo assim, conseguir compreender seu lugar no mundo. É necessário mirar-se no musicólogo que busca objetividade, mas também e principalmente se dar conta de que a objetividade tem limite. É isso que permite não gostar de trap mas reconhecer o fenômeno estético e tratá-lo com respeito onde o respeito for devido (e eu sei que essa última sentença foi construída de modo tautológico, esse é um preço da subjetividade).

Mas, veja também, existe algo objetivamente podre em certas coisas, e isso também tem de ser admitido. Um exemplo é certa música sertaneja contemporânea que é fruto de uma violência social que se retroalimenta de perversão estética. Uma música que se assume mesquinha, sem vergonha de dizê-lo, mesmo que com outros nomes. Ser um disseminador não só da mediocridade, mas também de uma mentalidade bovina e predatória ao mesmo tempo, é a condição que permite a alguém como Wesley Safadão ser alçado ao sucesso comercial.

O Conde do Brega também é problemático, mas há coisas que o redimem. Há algo de nobre em sua música. Há algo de orgânico, legítimo, em como essa música e seus agentes interagem com o público. “Cheli” é sobre uma mulher desejada e só, ok; a letra não reverbera para nada além de Cheli, o objeto de paixão do eu lírico da canção, mas quem pode assegurar que uma lágrima sentida já não caiu sob o efeito de ouvir “Cheli”? Essa consideração sobre a carga emocional da música do Conde é subjetiva, claro, mas há uma intenção de querer expressar algo íntimo, enquanto que a música de Safadão, como comparação, é tão pré-pronta que se emocionar com ela beira uma parafilia. É preciso, enfim, ir além da ojeriza cristalizada a que, no meio de “Cheli”, haja um recurso promocional que consiste em uma voz anunciando o nome do artista, para um estado de contemplação que, quem sabe?, permita que se ache até graça (com alguma condescendência, claro, mas no bojo essa risada ao que se considera absurdo também se redime um pouco de seu crime porque também pode ser empática). Para quem, como eu, presenciou bailões em um clube do Recife e se irritou em trabalhar sob certas circunstâncias sonoras, mas também riu e viu bêbados se abraçando e se beijando ao som de um repertório com função pré-definida, em sequências literalmente previsíveis (mas não mais que numa festa gótica) compostas de bregas ortodoxos/antigos/clássicos, Tim Maia, ABBA, soft rock, cumbias e outros ritmos latino-americanos (e etc.), pode-se dizer “isso não é pra mim” sem incorrer em ódio pedante e, logo, até bater o pezinho com algum tipo de apreço instintivo (que pode virar afeição a longo prazo), sem ruminar sobre os detalhes formais que incomodam às vezes por razões mais irracionais do que se gostaria de admitir.

De resto, “Cheli” tem méritos menos óbvios. É possível sentir isso (ou “perceber”, mas amantes precisam desconfiar sempre da própria objetividade, independentemente da configuração entre gosto e objeto em cada caso) na atmosfera quase épica em que a história vaga sobre a idolatria romântica de uma figura feminina se dá. O Conde se limita a pouquíssimas palavras, insistindo apenas que pensa em/ama Cheli, sobre um instrumental lânguido, dançante mas morno (não pejorativamente), que convida tanto à dança quanto a ficar prostrado em reminiscências românticas ao redor da pista enquanto se beberica algo. Perfeitamente digna qualquer situação.

Então, voltando um pouco: primeiro, o apaixonado consciente de suas limitações inerentes talvez se revolte tanto com o que lhe soa vil ou vulgar ou medíocre, porque o nada, o que não causa qualquer comoção, também é potencialmente vil para ele quando não se enxergam as áreas estéticas cinzentas. Até que, num segundo momento, as fichas começam a cair. No mundo de quem ouve Conde regularmente, ou até melhor, religiosamente (porque música é um tipo de religião), existe uma introspecção extrovertida. O contexto original é gregário, mas toda audição continuada de qualquer coisa tem uma surpresa em potencial (inclusive ódio redobrado, vide sertanejo de direita). Se se pode acusar a ideia de não dever a nada a ninguém e portanto supostamente ser livre para o prazer sem culpa de oferecer escapismo que não altera substancialmente o sufoco do cotidiano de deveres e penas, também pode-se dizer que, NO MOMENTO em que se ouve Conde advogar o hedonismo, DE FATO nos inebriamos e não devemos nada a ninguém, o que é desculpa suficiente para Conde e para nós. A gente merece isso. A gente merece acreditar em amores com lindos homens e mulheres, mesmo que não passem de cinco minutos, como as outras gentes merecem (porque sim!) seus refúgios de preferência, já que a segunda-feira ou coisa que o valha sempre vem.

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Desiigner, “Panda” [Matéria deste imaculado blog] | Paulo Sérgio, “Não Creio em Mais Nada” | Tim Maia | ABBA | Bonnie Tyler, “Total Eclipse of the Heart” |

>FICHA TÉCNICA:

Versão original: “Ilyne”, de Gordon Henderson e Julie Mourillon, da banda Exile One.

“Cheli”: Versão do Conde para “Ilyne”, da Exile One.
Music Publisher: R. D.

Estúdios Somax (Recife/PE, Brasil).

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Atenção: abaixo segue três textos diferentes escritos cada um por um autor diferente.

É fácil, mas é difícil.
Aroldo SóSucesso!

Pra quem vem de um background muito diferente, o apelo dessa música é provavelmente um enigma, tanto mais conforme se descobre sua imensa popularidade e o fato de que “Panda” foi alçada à primeira posição da lista Hot 100 da Billboard. Mesmo tendo a ajuda de Kanye West, que a usou na faixa “Pt. 2”, isso é um feito, até porque a música de Kanye não chegou nem perto do sucesso da de Desiigner.

“Panda” é algo como uma representante típica da trap music, mesmo sendo quase impossível falar numa tipologia bem definida em circuitos musicais que se interligam o tempo todo. E ainda que Desiigner seja de Nova Iorque, a cena trap é tão associada ao sul estadunidense, e à cidade de Atlanta em especial, que aparentemente o artista se viu forçado a contar pelo menos uma mentira escabrosa (ou fez uso de licença poética, a depender da perspectiva) quando ele diz que tá cheio das “broads” (algo como “gatas”) em Atlanta, cidade que ele nunca havia visitado quando fez a música. O resto da letra e sua execução parecem seguir uma cartilha de como escrever e entoar um rap nesse estilo: as sentenças são elípticas, mas não metafóricas. Não há jogos de palavras, mas gíria pesada, o que, junto à entoação enrolada, dificulta a compreensão do ouvinte (mesmo dos gringos). Essas aparentes fraquezas em letras e flow são também sua força: o discurso aqui é direto e curto e tem a ver com o imaginário que o artista quer projetar para sua própria persona, inclusive a privada. Muitas vezes, no trap, fala-se de uma origem real e muitas vezes o trapper se concebe como já fora dos perrengues do crime, mas as histórias que se deixam entrever têm sempre essa sombra de contravenção, mesmo que apenas como origem. Esse tipo de letra, inclusive, é condição para uma música ser considerada trap music autêntica. Outras características são a ostentação de consumo, sexo e poder.

Agora, o que temos em “Panda” é talvez um dos modos mais formulaicos do gênero (pelo menos, do modo como ele vem sendo entendido nos últimos dez anos; e, na real, as raízes de tudo já têm quase três décadas): o jeito enrolado de entoar, o flow linear, monótono. Instrumentalmente, há muito e, ao mesmo tempo, quase nada acontecendo. As batidas, os efeitos percussivos, tudo o que não é a voz, têm síncope e se expandem, e um piano de filme de terror (me lembrei de John Carpenter, que sabia tão bem como a simplicidade, a repetição e as notas certas podem criar tensão) é acompanhado por pequenas explosões de ficção científica, algo que, na música, lembra o que o CGI é pro cinema (e não há ironia nem julgamento de valor aqui; efeitos especiais sempre tiveram seu lugar no cinema). “Panda” soa luxuriante e, no entanto, plano, porque as texturas não mudam. E isso não é necessariamente ruim. E mais: isso tem uma função. Se não tivesse, como explicar sua popularidade? Tudo isso não só certamente funciona maravilhosamente em certos contextos, como, por exemplo, de trilha sonora bombástica para escapar pelas ruas com amigos dentro de um carro, como é a cara de uma parcela enorme de uma geração. Quando se diz que não se entende essa música, o que se quer realmente dizer é admitir disfarçadamente que não se têm os meios de entender sua atmosfera social, uma vez que música não nasce num vácuo. E a disparidade de percepções sobre o trap é tão pronunciada que gêneros mais recentes e mais formalmente experimentais como o uso de inteligência artificial como parte do processo composicional (caso de Caterina Barbieri) e a PC Music (que exagera certas características do pop mais acessível até que, pela via do absurdo, o que é palatável se torne de difícil digestão, o que a escocesa Sophie tem feito muito bem) possivelmente soam mais aceitáveis, ainda que ouvi-los seja outra história, porque podem soar esdrúxulos aos ouvidos mais conservadores, mas ainda têm um verniz conceitual que a velha guarda da crítica talvez ache mais digno. Um ponto da questão é que o que atordoa os críticos não são os meandros estilísticos de um gênero que, a bem da verdade, se caracteriza pela simplicidade, mas mero elitismo que se recusa a aceitar parâmetros tão diretos de como fazer música que, muitas vezes, rejeitam a necessidade de qualquer conhecimento teórico musical a priori.

Não há muito com o que ficar perplexo, inclusive, se pensarmos na velha história da música pop como projeção e fantasia de um caminho rápido de ascensão social e de fama sonhada no isolamento do quarto de dormir: há tempos, as pessoas têm nutrido esperança de tornar-se seus ídolos, mas o caminho muitas vezes é proibitivo. Agora, não apenas em termos de instrumentos e de conhecimento musical (apesar de que o Faça-Você-Mesmo seja algo já antigo na música pop), mas também em relação aos canais de divulgação, a promessa de se alçar também ao pódio, mesmo que continue obviamente evasiva e essencialmente ilusória, parece se tornar mais à mão. E, só entre nós, ninguém realmente precisa traficar drogas pra fazer trap.

O maior problema pra quem está de fora do trap é a linearidade cansativa. Desiigner é acusado, e com razão, de ser uma cópia do rapper Future. Acusado não exatamente de plagiar, mas de adotar os maneirismos vocais e os temas. Esse problema de imitação estilística não é recente no hip-hop, mas o trap aprofunda o problema com a proliferação de batidas, efeitos, linhas instrumentais pré-fabricadas e que naturalmente tornam o panorama do gênero monocromático.

A sorte é que Desiigner e Future são só um aspecto da trap music. Mesmo que não se goste duma ou de outra característica, o gênero, em suas formas mais tradicionais ou principalmente através de hibridismos, tomou conta das paradas, foi parar em coisas bem mainstream como Beyoncé. E a EDM Trap (ou crunk, mas sério, quem realmente entende esses rótulos?) “Turn down for what?” mostra que a instrumentação original, quando fornecida de um gancho, pode virar uma delicinha.

>>Pra sacar mais, clique no amarelinho:

Kanye West, “Pt. 2” | John Carpenter, “Halloween” [tema do filme] | CGI [“Imagens Geradas por Computador”, Wikipédia] | Caterina Barbieri | Nicolle Cabral, “O que é PC Music e como ela tem se infiltrado no pop, de Sophie a Charli XCX” [Rolling Stone, 2020] | Sophie | Future | Beyoncé | DJ Snake, Lil Jon, “Turn Down for What” |

Panda pandemia: a armadilha virtual de Desiigner.
George SóSucesso Yeah!

Imagine-se você em Recife, 2020. Ônibus lotado. Em plena pandemia, sendo obrigado a ir a um trabalho pelo qual não tem a menor simpatia. Você sabe que está arriscando a vida para o sagrado lucro do patrão e mesmo que sobreviva a mais esse dia, amanhã você terá outro e depois outro, e de vez em quando, uma folga aleatória a cada seis trabalhados num maldito McDonald’s da vida ou coisa similar. Com apenas 18 anos, você se pergunta se isso é tudo que o futuro lhe reserva, enquanto olha pela janela e percebe que, nesse exato momento, imprensado pelo ônibus, mais um entregador de IFood, provavelmente da sua idade, acaba de se acidentar. Em seus headfones um estranho mantra ecoa o ódio em sua cabeça: “panda, panda, panda”. E nesse momento, você percebe que, pra você, o trap é a única coisa que pode lhe salvar de morrer imprensado, seja fora ou dentro de um ônibus.

Em 2016, quando tinha também apenas 18 anos, o rapper de Nova York, Desiigner, lançou o seu até agora hit de maior sucesso: “Panda”. Seguindo os ensinamentos de seu produtor Kanye West e de sua maior influência artística, o DJ de Atlanta, Future, o artista já despontou na “crista da onda”, “Panda” se tornando um dos maiores hits daquele ano e confirmando a transformação do trap de um subgênero ligado ao underground do rap sulista de Atlanta, EUA, em uma das vertentes mais lucrativas do hip-hop da atualidade. Para além do sucesso de público, em um artigo para a revista The Face, o critico Simon Reynolds chegou a definir o trap feito por Future, T.I. e Migos, em suas origens marginais com a de dois outros gêneros da música negra sulista: o jazz e o blues.

Diferente do hip-hop tradicional com suas cadências tonais e beats gordurosos, o trap baseia-se em padrões rítmicos gerados por TRs 808s (bateria eletrônica) que se repete num vácuo preenchido apenas por lampejos melódicos semidecorativos de sintetizadores, que servem de cama para o flow ultrasincopado do MC. O inovador uso do autotunes transformou a ferramenta de estúdio, utilizada para fazer overdubs e outras artimanhas, em um verdadeiro instrumento, como em outros tempos um jovem Kurtis Mantronik revolucionou o hip-hop a partir de suas experiências com vocoders e um Roland TR-808 criando as bases para o jungle (na faixa “King of the Beats”) e para o próprio trap (na faixa “Bassline”).

Assim como no grime e no drill, o trap lida com o mínimo de elementos musicais para empreender o máximo de tensão no ouvinte, seus baixos subsônicos e seus chimbais (hit-hats) persistentemente repetitivos criam um clima pós apocalíptico sonoro que casa perfeitamente com uma lírica que parece saída do universo de GTA (“Grand Theft Auto”, videogame em que o jogador vive o papel de um gangster), mas que infelizmente sabemos ser muitas vezes reflexos do cotidiano de drogas e violência tirados da realidade das ruas das periferias.

Construída a partir de uma melodia comprada por U$ 200,00 na internet, “Panda”, ao receber o apoio dos megatubarões do hip-hop como Kanye West, se torna símbolo do esforço em moldar e controlar não só o mercado mas a própria natureza de que esse se alimenta: as subculturas undergrounds disruptivas. No entanto, essa tentativa de manipular o futuro acabou por ajudar a ressignificar o próprio imaginário trapper, até esse ponto calcado na narrativa de testemunho, seja da vida criminal, seja do sucesso de suas estrelas. Ao construir um simulacro do universo trapper de Atlanta, a começar pelo título, uma gíria para o modelo esportivo de luxo da BMW X6, passando pelas referência ao “lean” (coquetel de codeína e álcool comum na cena trap de Atlanta) e a crimes financeiros (T.I., um dos fundadores do trap, foi acusado por fraudes com bitcoins), sem nunca ter pisado lá, Desiigner acaba por construir a “mais perfeita simulação” desse universo ultraviolence GTA que lhe serviu de inspiração, como também se torna responsável por criar algo único em toda cena do trap até aquele momento, a figura do narrador não-confiável, que o transformará no grande responsável pela explosão de trapstars adolescentes de classe média, e em certa medida, em transformar o trap no maior fenômeno musical da atualidade.

Depois de se consolidar como hegemonia, o hip-hop começa a fugir de suas próprias disputas internas e a explorar suas possibilidades como vanguarda da música pop ao aproximar-se de gêneros como a EDM, utilizando-se de batidas cada vez mais espaçadas, floreados soturnos e climões. O trap vem trazer para o universo da música pop o som de subculturas sem rosto, e com cenas cada vez mais próximas do lema punk do “faça você mesmo”: assim como no grime ou no funk proibidão, dispensa grandes estúdios para se produzir e a distribuição passa por circuitos de shows e canais de divulgação que não necessariamente fazem parte do contexto das grandes gravadoras. Esta liberdade irá trazer em conjunto toda uma inovação nos temas, ultrapassando certas fronteiras líricas que o selo PMRC da RIAA faz questão de demarcar. Uma outra face da música negra entrevista antes nas histórias de crime e violência dos subúrbios californianas e londrinas de cronistas como Easy-e, do N.W.A., e no grime de Dizzee Rascall: a voz e os beats de uma juventude marginalizada pelo racismo e exclusão social, que encontrariam no universo digital uma forma de reação a partir da crônica de suas experiências de vida envoltas por sonhos, violência, drogas, diversão e frustração. Essas narrativas, ao contrário de darem início a uma revolução racial, unindo política à estética como sonhou o Public Enemy, buscam na música uma saída pelo lado individual mais do que pelo coletivo. Cada dia, cada música, cada história, é o testemunho de uma lida para sobreviver contra tudo e contra todos: violência do Estado, violência do tráfico e do preconceito do cotidiano. Diante disto, existir é já uma vingança .

>>Pra sacar mais, clique no amarelinho:

Kanye West |  Future |  Simon Reynolds, “Trap world: how the 808 beat dominated contemporary music” [The Face, artigo, 2019] | T.I. | Migos | Roland TR 808 | Mantronix, “King of the Beats” | Mantronix, “Bassline” | Narrador Não-Confiável | “Faça Você Mesmo”, lema punk [Wikipédia] | Parents Music Resource Center [Wikipédia] | RIAA [Wikipédia] | N.W.A. | Dizzee Rascall |

Desiigner, “Panda”, e o trap vistos por um roqueiro das antiga.
Mateus SóSucesso!

É um lance engraçado: não adianta, por mais que eu tenha contato e vá atrás, trap num geral soa pra mim como pra Snoop Dogg num vídeo em que ele avacalha o flow do gênero, num esculacho old school. Em tempo: flow é o jeito de cantar próprio do rap – gênero donde se derivou o trap –, o jeito com que se brinca com as sílabas, com o tempo da fala, com o modo com que a palavra é dita etc, o jeito de cantar quase falado, algo como o que, num paralelo torto, Moreira da Silva fez com o samba, criando o “de breque”, em que partes meio cantadas se intercalavam com outras completamente faladas – por isso o “breque”. Mas aí é outra história – em que também entraria o repente do NE.

De modos que – voltando – Desiigner é o único no trap que realmente prende minha atenção. Ou melhor, nem Desiigner como um todo: só essa faixa, “Panda”. Já fui atrás de gente famosa no gênero como Travis Scott, Post Malone, Future etc, ou do mainstream brasileiro como Matuê, MC Igu, DFideliz, Haikaiss (que flerta com o gênero) e uma pá de outros que aqui acolá tão no Flow Podcast. Mas não adianta, não desce, trap não me desce. Só “Panda”, “Panda”, “Panda”… [Aconselho que saia daqui e vá lá escutar a faixa].

Eu poderia afirmar o mesmo que Ronald Rios – num dos episódios sobre Eminem do Music Thunder Vision, aos 03:23 –, de que ao ouvir a maioria dos rappers atuais tenho a impressão de estar ouvindo o mesmo flow, como o próprio Snoop Dogg deixa entender no vídeo que cito. Olha, realmente parece tudo pra mim um mesmo flow com pequenas variações. Na verdade, me parece que o trap realiza mudanças mais substanciais nos arranjos, nos penduricalhos que colocam ao redor do vocal e do beat (talvez uma das grandes marcas do estilo, um beat denso, de bumbo cheio, “gordo”, em suspensão constante + a simulação de um chimbal artificial que toca feito mosquitinho durante toda música). Pegando esse gancho, o trap é como se fosse, mal comparando, aquelas árvores de Natal feitas em série pra serem vendidas em supermercado e que a gente enfeita pra dedéo quando chega em casa, será que me faço entender? Em suma, o gênero tem algo de formulaico pros ouvidos do tio aqui – especialmente o povo do mainstream, sublinho. Só que é o sujo falando do mal lavado, eu que escutei ao longo da vida um amontoado de bandas punks, gênero que trabalha com a penúria musical extrema. Enfim, o punk também parece limitado (reforço: parece), e um tanto parecido um com o outro (reforço: parecido). Portanto, quem sou eu pra falar de um gênero que a molecada tá curtindo? Deixa, tio.

Mas o que tem em “Panda” que sonoramente sobressair-se-ia (alô, Temer!) diante do trap num geral? Logo uma faixa de um cara que é empurrado pro rodapé por ser acusado, por uma galera, de plagiar o trapper Future… Ou seja, o que haveria na “criatura” que pra mim supera, nesse trampo, o “criador”?

Aqui, só lembro de um brother que ao sacar a faixa, alvoroçou-se: “Tava com uma raiva da porra, trabalho ônibus a porra toda, daí quando começou a tocar me senti vingado”. O som soa exatamente isso: vingança. Mas do quê? Ér, bem, Desiigner na letra fala de tráfico, crime, pega de carro etc, a vida dura, sem glamour, ou com um glamour troncho e ao contrário, tudo casadinho com as imagens do clipe. Um parênteses rápido: falar de música sem a imagem que a acompanha é praticamente não falar dela atualmente, e só um purista fora da realidade pode fazer essa separação. Ouvir música é, hoje, assistir música. Como ler música sempre foi “ouvir literatura” – especialmente a música popular. E sinceramente não sei se tem volta. Não é bem a minha, mas é isso.

“Panda” vai com gosto de sangue. Tem um gravão em toda ela que soa como uma lapada insistente na caixa dos peitos. A fala é incompreensível, mesmo pra quem sabe inglês. São frases soltas indo de canto algum pra lugar nenhum, tipo uma ambiência com um dialeto sendo abafado pelo grave dos bumbos digitais. Dá vontade de saltar da cadeira pra fazer alguma coisa que você não sabe bem o que é, dar um murro na vida, daí rebolar no mesmo compasso. Então brota uma sensação de fantasmas de mausoléu rodeando sua cabeça em meio a uma bad trip com cara de bunda. Seu destino é fazer do seu corpo muralha, você confuso, tropeçando nos obstáculos mas enfrentando com visão embotada, vontade de sair fora do trabalho e mandar o chefe praquele canto. Meio como uma hipnose que te deixa suspenso em meio a um pesadelo, desejo de cuspir, fechar os olhos, sair, se expurgar. Gira e gira, rebola… “Panda” canta o Purgatório, mas em voz envolvente, tal como a cobra que – no fundo no fundo – convenceu Adão a comer a maçã. Danação, mas uma danação gostosa, como a própria maçã que deveria ser bem gostosa também, ou bem envernizada pela Natureza, pra que Adão ficasse tão tentado a comer ela. Leso. Junto com tudo o que disse, “Panda” deixa a gente meio leso e um tanto instigado ao ouvi-la.

Nos enfins deixo aqui algumas pratas da casa, gente de PE, como indicação: quem não conhece ainda, procura as faixas “Acelere ou Pare”, de Don Erre, e “Gangsta do Brega”, de Hoodbob Loko. Essa galera aí fez ou tá fazendo algo seu, “Acelere ou Pare” há anos não para nos caixas aqui de casa, e “Gangsta do Brega” põe brega-funk no trap como poucos. Faixas interessantes que, como é comum à história do hip-hop, cantam a existência, os dilemas, e as vielas da cidade de agora. Tal como fez o punk. E ainda faz.

>>Pra sacar mais, clique no amarelinho:

Snoop Dogg [YouTube, vídeo tratando do trap] | Moreira da Silva | Caju e Castanha | Travis Scott  | Post Malone | Future | Matuê | MC Igu | DFideliz | Haikaiss | Ronald Rios, “Eminem, Parte 1” [Music Thunder Vision, aos 03min23s] | Snoop Dogg [YouTube, vídeo mais extenso sobre trap, em inglês] | Sérgio Rodrigues, “Formulaico, uma palavra bate à porta” [revista Veja, 2011] | “Português em Foco: A mesóclise de Temer” [TV Folha, YouTube)] | Don Erre, “Acelere ou Pare” | Hoodbob Loko, “Gangsta do Brega” |

>FICHA TÉCNICA:

Faixa composta por Sidney Selby III e Adnan Khan.

Selos: Def Jam Recordings, Getting Out Our Dreams .

Produção: Menace.

[PRA OUVIR, CLIQUE AQUI.]

Atenção: abaixo segue três textos diferentes escritos cada um por um autor diferente.

Junger Paape e a geração Ícaro.
George SóSucesso Yeah!

Quando se fala de produção, a música eletrônica feita na Alemanha ainda é uma das mais relevantes dentro do cenário atual. Passados quase cinquenta anos desde o lançamento do primeiro disco do Kraftwerk, a cena eletrônica alemã ainda causa espanto não apenas pelo fenômeno de público de suas clubhouses mas também pela magnitude e capilaridade de sua produção. Não restam dúvidas, ao se falar de música eletrônica na atualidade, vira e mexe, corre-se o perigo de ser taxado de eurocêntrico, pois é praticamente impossível não se remeter a uma gravadora, um estilo ou artista advindo daquelas praias. Não é à toa que artistas como Brian Eno escolheram o país para produzirem seus discos mais limítrofes como a trilogia berlinense de David Bowie e o Zooropa do U2. Desde os primeiros experimentos da elektronische musik nos estúdios da rádio NDWR, na cidade de Colônia, que a Alemanha tornou-se um dos paraíso da tecnologia avançada de estúdios quando o tema é música eletrônica. Pra se ter uma ideia, em Berlim você encontra desde lojas de equipamentos musicais de cinco andares a um circuito sempiterno de festas, Djs e boates de segunda a domingo.

Obviamente, todo esse avanço tecnológico não é gratuito e decorre do estado de bem estar social implementado no pós-guerra, sendo o efeito visível do nefasto processo de reorganização geopolítica da colonialidade do poder que não só relegou ao segundo plano o processo de reconstrução nas ex-colônias africanas como fizeram o possível para reprimir suas lutas por independência. Fruto da aliança entre o capital privado internacional e a sobrevivente elite germânica, tal processo como disse Fassbinder em praticamente toda sua obra cinematográfica apenas disfarçou o autoritarismo explícito do antigo regime em uma nova forma de liberalismo econômico policial assentado nas mesmas estruturas de poder (empresas/bancos). Vale lembrar que uma das maiores fabricantes de armas do mundo, a Glock, é alemã, e que por mais que Berlim seja cheia de ciclovias, os automóveis alemães continuam a inundar as grandes cidades.

É deste cenário paradoxal de avanço e alienação tecnológica ballardiano, que surge o pop-house onírico Ibiza de Jungern Paape, um dos nomes por trás da Kompakt (gravadora situada na mesma Colônia da NDWR), e autor de um dos maiores anti-hits da música eletrônica dos anos 00 (ao menos na Austrália e na Itália): “So Weit Wie Noch Nie”.

Trilha sonora perfeita para um desfile de moda em Milão, um verão em Ibiza ou um passeio no barco do Aécio [Neves], “So Weit Wie Noch Nie” tem aquele miasma de música de abertura do programa do Amaury Jr., mas se formos olhar direitinho, apenas em sua superfície radiofônica. A fórmula está lá: vocais femininos, batidas tech-house, sintetizadores modo ventania no cabelo e até um teremim para ficar mais hipster. Mas há algo inquietante nessa calmaria. Uma desconexão entre passado e presente. Nas poucas resenhas que encontrei (Pitchfork, Resident Advisor, Actualites Eletroniques), as avaliações ficam entre 8 e 7 sobre a coletânea em que a música foi lançada (Total 2000, Kompakt), porém a música é tida como o exemplo de pop eletrônico perfeito, sem arestas, límpido como o lindo lago de amor de Gonzaguinha. Uma ilha de despreocupação no inferno de obrigações de nossa realidade. Como disse antes, a princípio parece ser um daqueles hits de verão fadados a morrer na praia, mas o próprio fato de estar escrevendo essa resenha prova que não o é.

Espécie de Thomas Pynchon ou J. D. Salinger dos botõezinhos, Paape nunca discotecou, deu entrevistas ou mesmo se apresentou publicamente. Isso nos faz refletir: quais seriam suas reais intenções com isso? Será uma renúncia ao hype que envolve a música eletrônica e uma declaração de que nesse meio o que menos importa é o artista e sim o produto final: a música? Diferente do KLF, sua recusa não une política a controvérsia (chuva de dólares, sangue de porco, confusão mental), nem também como Pynchon tem a necessidade de apagar seus rastros. O seu processo artesanal de produção (Paape é conhecido por ser um dos artistas menos prolíficos da música eletrônica) evidencia os seus propósitos de ser um anti-hype de sucesso apenas pela música. Um meio-termo entre a morte do artista proposta pela geração trance e o excedente de produção da música eletrônica dos 90 com sua afluência de novos estilos e subculturas.

A música perfeita segundo 90% dos comentários no YouTube (para todos aqueles que viveram o verão de 2002): polida, evocativa, letra inteligente, entre o ambient e o easy-listening. Um house lounge pop celestial, mas que pra mim, ainda cheira a programa de variedades matinal com direito a dancinha de Regina Duarte e tudo. Se em 2002 a música seria símbolo do despojamento de uma geração com computadores em casa e à mão, na qual me incluo, a qual entre suas principais preocupações estavam o hedonismo e um futuro cheio de maravilhas tecnológicas pela frente (Soulseek, Orkut, Facebook, internet à cabo) – ou seja, o YouTube como libertação do jugo da MTV –, hoje tudo isso parece uma grande piada sem graça. Envelhecemos e envelhecemos mal, esses bricabraques geracionais se transformaram em verdadeiras armas de destruição em massa e resultou na emergência de uma milícia política que despreza todo e qualquer exemplo de diversidade e minorias.

Hoje, a beleza nostálgica de “So Weit Wie Noch Nie” soa tétrica. O seu canto de liberdade eterna descompromissada traz à lembrança a memória de meus amigos mortos pelas drogas tragicamente e a absoluta impossibilidade de encontrar qualquer redenção. Como diz sua letra, nós transformamos “horas em anos”, “caçamos a monotonia”, porém ao voarmos “tão longe quanto nunca antes”, pagamos o inevitável preço da queda.

Dedicado a Gustavo, Neco e Walmirzinho.

>>Pra sacar mais, clique no amarelinho:

A lenda de Ícaro [Wikipédia] | Kraftwerk | Brian Eno | David Bowie | U2, Zooropa [Disco] | Elektronische Musik [Página da UFRGS] | “Aníbal Quijano e a crítica latino-americana à colonialidade do poder”, por Erick Kayser [Matéria do blog Racismo Ambiental] | Rainer Werner Fassbinder [Wikipédia] | “Novo livro de J. G. Ballard prevê um futuro sombrio” [Matéria, O Tempo] | “O falso eremita: Uma investigação sobre o escritor americano Thomas Pynchon, que nunca deu entrevista em 54 anos de carreira”, por Natália Portinari [Matéria, Piauí] | “Autor do mês: 5 curiosidades sobre J. D. Salinger, o recluso autor de Catcher in the Rye”, por Tiago Matos [Matéria, Revista Estante, da FNAC] | KLF [Wikipédia] |

Jürgen Paape, “So weit wie noch nie” – Entre o carnal e o etéreo.
Aroldo SóSucesso!

O que torna popular uma música é parcialmente imponderável. É fácil definir uma faixa de sucesso dizendo que ela é acessível, que gruda nos ouvidos, e é fácil identificar o que a torna atraente para o público assim que ela surge, mas achar os ingredientes e saber misturá-los é outra história. Há até fórmulas que ajudam a criar hits, mas é óbvio que elas não bastam. Ok, na escala industrial da RIAA, a ascensão de uma faixa às paradas de sucesso tem mais garantias, mas um chocolate com pouco cacau que vende muito porque a concorrência tem ainda menos cacau continua sendo uma bela bosta de chocolate.

Fuçando na Internet, encontram-se inúmeros casos de músicas cujo sucesso é menor que o dos mega-hits, mas que conquistaram o público usando um aparato de divulgação relativamente modesto. São esses os quitutes mais interessantes. Na maioria dos casos, eles estão exatamente onde deveriam estar, porque não fariam sucesso junto ao grande público nem com reza brava, já que fazem parte de círculos audiófilos pequenos. O que me interessa é o sucesso do que nasce num âmbito relativamente pequeno, porque, mesmo que não exista na música uma correlação intrínseca entre popularidade e qualidade, é daí que nascem as músicas brilhantes, as gemas. “24-track loop” não é necessariamente a melhor música do This Heat, mas é a mais acessível e, ao mesmo tempo, tão experimental quanto o resto do trabalho da banda, e é isso o que a diferencia. Os ouvintes de This Heat não estão procurando música fácil, mas ainda assim, como se percebe pela quantidade de acessos ao YouTube, ouvem mais “24-track loop” que as outras músicas. No meu caderninho de concepções pessoais, isso faz dela não só um hit, mas uma gema.

Claro que o gosto pessoal não interessa aqui. Amar jiló não o torna um hit, mas um cozinheiro que faça sucesso com um prato à base de jiló, o que é o contrário de apelar para o testado e aprovado, é talentoso. O mundo dos megahits é feito de pouca variedade e seu público-alvo é idealmente passivo. Já o mundo dos hits escondidos, bem, esse é um mundo populoso mas pouco povoado, uma Rússia musical. Nesse território, você encontra “So Weit Wie Noch Nie”, faixa de house music ambiente (ou tech house ou algo assim) do produtor Jürgen Paape, lançada em 2002. Paape tem um nome firmado no círculo EDM, tem uma gravadora, a Kompakt, e lançou várias outras faixas interessantes e de relativo sucesso, mas seu público é especializado. Algumas faixas usam o mesmo recurso de samples vocais isolados de canções das décadas de 60 e 70, mas não conseguem se elevar ao suflê de jiló delicioso de sua faixa mais conhecida. O que pode parecer um truque é, de fato, uma arte que jamais se domina completamente, que depende de sorte e intuição. Os samples vocais utilizados em “So Weit Wie Noch Nie” não são apenas de um contexto original muito diferente, mas são a peça central da faixa, ajudando a formar uma ambiência que não tem nada em comum com sua fonte.

Os samples que dão alma a “So Weit…” vêm da canção schlager “Vielleicht Schon Morgen”, da cantora israelense Dahlia Lavi. A canção original não é sequer uma das mais populares de Dahlia, e há um acompanhamento de violão que Paape espertamente retira. A canção de Dahlia é fraca, abruptamente muda o andamento para algo como um vaudeville, e eis que Paape percebe nela o jiló pra ser o ingrediente principal de uma iguaria fina. Samplear é uma arte, uma demonstração de que se pode fazer diferente, e não raro até melhor, através do uso de um pedaço de um trabalho prévio de outro artista. Samplear bem requer sensibilidade e demonstra uma das grandes ironias da música, em especial a pop, pela qual fica patente que ser o criador de algo não atesta competência e, portanto, não deveria conferir nenhum tipo de primazia sobre seu uso.
Há um sem-número de casos da música pop que ilustram isso e que inclusive levantam questões éticas e estéticas de que não tratarei aqui, mas que fique claro: plagiar é válido, a não ser que você seja rico e o plagiado seja pobre.

Mas enfim, em “So Weit…” , Paape cria algo acessível e denso de emoção. Em uma das páginas do YouTube, as pessoas comentam como ela traz memórias de tempos não vividos, uma nostalgia sem um objeto, pura contemplação de nada em especial e portanto prazerosa (um efeito comum em ouvintes de Boards of Canada, duo eletrônico cujo trabalho guarda similaridades com o que faz girar “So Weit…”). Há uma sensação de distância no tempo trazida por algum elemento musical difícil de identificar, que não se trata meramente de reconhecer vozes ou instrumentos antigos, mas que certamente passa por melancolia e languidez. A despeito de a faixa ser dançante, a impressão é de que ela flui lentamente.

Algo que explica muita coisa é que o estilo aqui é house (ou tech house, que seja): apesar de cair tão bem como fundo sonoro de academia de ginástica, a house tem uma versatilidade que permitiu que fosse adotada por artistas de estádio como Madonna e Kylie Minogue. Outra mostra dessa versatilidade é como a base rítmica se presta muito bem a canções evocativas de paisagens e atmosferas. Um exemplo forte, e também por ser um hit isolado, é “Meine”, de Daso, que, mesmo sendo menos dançante e mais techno, contém óbvios elementos house. Como parece acontecer quando se acha um elemento perfeito, todo o resto de “So Weit…” parece ser necessário. Os efeitos rítmicos e as linhas de sintetizadores são tão elegantes quanto a voz isolada de Daliah e o coro angélico, talvez porque, uma vez que Jürgen tenha achado o ponto fundamental do que queria fazer, todo o resto tenha basicamente mais aparecido a ele que propriamente sido buscado. “So Weit…” é, para este ateu, algo como um hino religioso sensual que se ouve na cama fantasiando mundos perfeitos que nunca existiram enquanto se rebola mentalmente.

>>Pra sacar mais, clique no amarelinho:

RIAA [Wikipédia] | This Heat, “24-track loop” | “Schlager: amado e odiado” [Matéria, DW] | Daliah Lavi, “Vielleicht Schon Morgen” | Vaudeville [Wikipédia] | “Sábado de Blues: O Blues e os Plágios do Led Zeppelin”, por Rob Gordon [Matéria, Medium] | Boards of Canada | Madonna | Kylie Minogue | Daso, “Meine” |

“So Weit Wie Noch Nie”, no fundo, é “I Will Survive”.
Mateus SóSucesso!

Amaury Jr. vai pras Bahamas fazer uma matéria especial “x” pro seu programa de fofocas de bom tom e gosto e leva à tiracolo Narcisa, que por outra questão “x” qualquer faz seu motim habitual lá no fundo sem que as câmeras captem – “hbcwjbcjwd, ai que delícia!, nivwn3vnr, ai que loucura!” – enquanto um gringo famoso com botox e camisa de botão florida Sílvio Santos de gola dentada semi-aberta mostrando o peitoral flácido fala pra Amaury, impassível, da época de ouro da disco na Studio 54, como era legal conversar com Debbie Harry, o quanto ela era engraçada, o quanto Warhol era críptico nos seus chistes e fino em seus shades, toda a graça existente naquele público maravilhoso que frequentava a boite blablablá.

Bem, acho que carreguei nas tintas, mas estranhamente “So Weit Wie Noch Nie”, de Jürgen Paape, me soa uma boa trilha sonora pra esse pantinho.

Olha, fui catar sobre Jürgen Paape, e das poucas que descobri, soube que é dono de um selo (Kompakt), que ele é propositalmente underground pra dedéo, assim como sua maior assinatura musical é essa house – e que house, viu? –, uma música que é baseada naquela outra de Daliah Lavi, “Vielleicht Schon Morgen”, que, pelo que deu pra sacar, é uma diva crooner com tintas mezzo cafonas no limiar da beleza, e vai ficando por aqui. É até bom que seja assim, que eu fique com esse pouquinho, porque daí fico eu no puro, eu e a música, a música e eu, nos olhando pra ver se dessa cana sai açúcar…

Já nos primeiros samples de “So Weit…” aflora um clima denso de pista lotada pela fauna de Ibiza, ao menos da Ibiza clássica, ainda próxima da disco, um paraíso regado a muita caricatura de glória e riqueza, clima de azaração, playmates e gente bronzeada bebendo a bebida que pisca, riso sardônico. Porém, talvez “So Weit…” tenha um clima mais modesto mesmo, de proporções mais “”undergrounds””, uma track que casaria melhor num balneário alternativo da dondocada alternativa. Em Carneiros, digamos.

Tudo que falei sobre Ibiza, lógico, é minha imaginação gritando à mil, já que sou um pé rapado e minha grana dá pra passar menos de uma semana em SP, que dirá um verão na orla espanhola. Mesmo assim tenho de confessar que, num país em que a desigualdade cheira à escravidão senhorial, eu, um professor, sou privilegiado. Mas, voltando, matérias e fotos como essa e essa [clique no amarelinho] contribuem pra que eu enseje esta narrativa e turbine a imaginação.

Só que, calma, talvez o que brota nessa faixa não seja tããão assim também.

“So Weit…” também parece querer nos levar à passeio pra, então, cair fora seja lá do que for. Tipo como a alegria com Ritalina ao se dirigir um carro em meio a uma estrada rodeada pela natureza com o sol se pronunciando entre as frestas do mato. Na real, essa conexão aqui não é de graça. Existe uma similaridade de fundo entre um certo efeitinho que rola em “So Weit…” e “Star Guitar”, dos Chemical Brothers, que lá no fundo é devedora de “Autobahn”, do Kraftwerk. Um tipo de efeito sonoro que soa análogo à convenção artificial de um transporte em movimento enquanto você assiste ao mundo pela janela, seja esse transporte um carro, um trem, um metrô, o que seja.

Também rola na faixa de Paape meio que um clima esfumaçado, só que não do mesmo tipo que um cool jazz de Chet Baker. Estaria mais prum esfumaçado onde, por detrás da elegância e beleza padrão, rola uma sequência de bolas fora e heroin chic, um quê de música e moda. Me vem aqui Kate Moss. Me vem, como imagem, Terry Richardson, que além de ter feito o clipe de “Vai, Malandra”, de Anitta, foi acusado à rodo de assédio e abuso de modelos. É sobre essa distinção com decadência de que falo, dessa coisa que quer escapar mas que não escapa na EDM, que meio que é parte de seu lifestyle, um clichê como a “idade limite” de 17 anos descrita na letra de “Seventeen”, da Ladytron, polaroid e estereótipo da vida de modelo.

Num geral, a EDM é historicamente feita de escapismos. Também, pudera, muito de seu público histórico é feito de pessoas marginalizadas social e racialmente nos EUA, seja a comunidade LGBTQIA+, sejam latinos e pessoas negras, sejam mulheres etc. Numa vida osso pra tantos e tantas – indico aqui o filme “Paris is Burning”, de Jennie Livingston – , nada mais justo que aconteça ali, na pista, um dia de rei ou rainha, mesmo que falso. Na verdade, o escapismo como tema grudou na EDM feito chiclete no sapato. Várias músicas falam disso, a própria “Lose Yourself to Dance”, do Daft Punk, tem na letra esse mote, mas pra mim a que melhor retrata mesmo é a disco “Last Night a DJ Saved My Life”, da Indeep. Foi aliás a disco quem delineou o que seria toda a EDM posterior – casada com o som do Kraftwerk, né?

Só que os tempos são outros, o fosso aumentou, o público se assemelha mas não é exatamente o mesmo. Não em todos os lugares. Pois há uma baita distância entre uma noitada na Metrópole, em Recife, e uma festa topzeira com DJ lá na Carvalheira, um público, este último, que, no automático, espera ansioso por se empoleirar num apê do Cais José Estelita, para deste modo assinar, direta ou indiretamente, a pena de morte do vuco-vuco vizinho do Bairro de São José.

Noves fora zero, entre o colorido e o apocalíptico, entre o ambiente e o maquinal, entre o êxtase e a abjeção, “So Weit Wie Noch Nie”, como boa parte da house music, também nos soa como esse convite paradoxal à superação momentânea e ilusória de que falo, aquela que, na pista, nos tira da dor por meio de batidas amaciantes, um travesseiro depois da clausura diária. Existe na house algo de uma primavera que antecede o verão, ou do verão em seu suor pleno, um estilo que parece nos apontar para algo que estaria bem ali, não sabemos bem o quê, nos esperando – promessa de vida?

Só que, enquanto tudo ficar como está, talvez o que nos reste seja mesmo sofrer a eterna desventura de viver e, em coro, continuar berrando “I Will Survive” [“Eu Sobreviverei”], unidos, com Gloria Gaynor.

>>Pra sacar mais, clique no amarelinho:

“Don’t touch is Art!” [Narcisa, YouTube]. | “Studio 54 – A Discoteca que fez História em Nova York” [YouTube] | Blondie, “Atomic” [Música com legendas] | “Andy Warhol, Studio 54 y la ‘enfermedad social”, por Isabel Espiño [Matéria, El Mundo] | Jürgen Paape [Biografia, Resident Advisor] | Daliah Lavi, “Vielleicht Schon Morgen” | “Carneiros: ‘É uma praia privatizada’”, por Letícia Lins [Matéria, #OxeRecife] | “Una mirada en el tiempo a la Ibiza de los 80s y 90s” [Matéria, The Basement]  | “Ibiza já era bem louca antes da geração rave chegar”, por Jak Hutchcraft [Matéria, Vice] | Chemical Brothers, “Star Guitar” | Kraftwerk, “Autobahn” | Chet Baker | “Heroin Chic: Quando a estética viciada invadiu o high fashion”, por Caroline Campos [Matéria, Yves Sem Laurent] | “Kate Moss: los escándalos del ícono del Heroin Chic que rehabilitó su imagen y ya tiene una sucesora”, por Camila Álvarez [Matéria, bibliochile.cl] | “Um detalhe complexo de ‘Vai, Malandra’ que quase passou batido tem gerado um grande debate” [Matéria, Hypeness] | Ladytron, “Seventeen” | “Paris is Burning”, de Jennie Livingston [Filme legendado, YouTube] | Daft Punk, “Lose Yourself to Dance” | Indeep, “Last Night a DJ Saved My Life” | Kraftwerk | “O melhor dos points gays do Recife” [Matéria do Jornal do Commercio no YouTube] | Gerardo Rabello TV, “Carvalheira na Ladeira – Parte 1” [Matéria, YouTube] | “Recife, cidade roubada” [Vídeo do Movimento Ocupe Estelita, YouTube] | “Bairro de São José: história, descaso e destruição”, por Clênio Sierra de Alcântara [Matéria do blog A Cidade e a História] | Elis Regina e Antonio Carlos Jobim, “Águas de Março” [Vídeo legendado] | Toquinho, Vinicius de Moraes & Maria Creuza, “Eu sei que vou te amar” | Gloria Gaynor, “I Will Survive” [Vídeo legendado] |

>FICHA TÉCNICA:

Faixa composta por Jürgen Paape.

Vocal: Sonya Lübke

Selo: Kompakt.
Prensado por: MPO.

Produção: Jürgen Paape

[PRA OUVIR, CLIQUE AQUI.]

Atenção: abaixo segue três textos diferentes escritos cada um por um autor diferente.

Sobre pandas e homens – o metalcore viral de Jinjer.
George SóSucesso Yeah!

Escrever sobre metal é um saco. Por mais que você tente parecer entendedor do estilo, sempre vai ter aquele superfã atento que vai apontar alguma especificidade ou detalhe que transformará seu texto no mínimo em uma piada interna de seu grupo de RPG. Por motivos nunca compreendidos pela ciência, o heavy metal e toda a sua ramagem – black, death, doom, gore, grind, speed, thrash (gêneros que existiam até a época em que acompanhava) – tem a estranha capacidade de transformar pessoas comuns como balconistas, engenheiros, entregadores, médicos, professores e bancárias em verdadeiros prosélitos vestidos de preto, adoradores de um objeto sagrado incompreendido e misterioso dispostos a fazer tudo para defendê-lo, inclusive destruir os argumentos pífios de um ecleticozinho metido à besta. Óbvio que isso é um grande estereótipo e nem todos os fãs de metal colocam o sectarismo de suas escolhas acima do diálogo e do conhecimento. Não é a pureza do metal, mas sua abertura à inovação que temos visto nos últimos 20 anos que faz com que esta seja praticamente a única vertente do rock’n’roll que criativa e economicamente não está respirando por aparelhos.

Não devemos confundir o fã conservador do metal mamute congelado no tempo com o seu público real. “Real” sendo aqui a galera truezeira, na falta de um termo melhor, que coloca a integridade de sua escolha estética dentro de uma ética da música extrema e entendem o metal em sua linha adaptativa. Pessoas como Leko, Silva Trash, Filipe Filiposo, nosso futuro colaborador Mateus Otaku e meu amigo Marcos da FAFIRE. Gente que se emociona ao comprar um split da banda mais obscura do leste europeu ou possui a capacidade ubíqua de estar em todos os shows da cena, apoiá-la e visibilizá-la, mesmo que para isso tenho que sacrificar seus suados trocados. Não são músicos, nem artistas, mas apenas pessoas inquietas que não se deixam anular pelas pressões da sociedade. Anônimos que traduzem o espírito desbravador do metal: gente simples, de classe trabalhadora, com sonhos e ideias de mudar o mundo a partir de seu desencaretamento metalístico, sem aquele ranço de ódio a tudo que não seja pesado, como um certo crítico da coluna “O Radical” da Rock Brigade, para quem o mundo começava e terminava em um show da Dorsal Atlântica.

Por isso ao tratar de bandas e estilos mais recentes temos que ter a atenção redobrada. Pois além das informações sobre a banda, primeiro é necessário entendermos em qual novo gênero aquele som se encaixa, suas características, influências e bandas similares (aqui excluo as bandas derivadas da tradição mais conservadora do “verdadeiro” metal, por questões minimamente criativas) para não incorrer em imprecisões e falsificações.

A depender do tempo de pesquisa e convivência, isso pode dar a origem a um texto que faça comparações e linke influências, e que traga, de quebra, alguma informação nova sobre a banda ou estilo. Em suma, uma nova perspectiva. Algo que saia da crítica jornalística ou laudatória para colocar uma pulga dentro dos ouvidos estourados do leitor. No entanto, se esse tempo não existe, a única saída é apegar-se às poucas e duvidosas informações da internet e confiar no seu instinto de sobrevivência.

No caso de Jinjer e do gênero ao qual a banda é filiada, o metalcore, uma espécie de manguebit da música de peso, a coisa se torna particularmente difícil devido ao paradoxo representado pelo sucesso da banda. Apesar de vir da Ucrânia, a banda é bem conhecida, o vídeo de sua música mais famosa, “Pisces”, possui mais de 42 milhões de visualizações, alcançando o cobiçado status (para youtubers e influenciadores) de viral. Não sei se essa quantidade absurda de exposição se deve puramente ao estranhamento causado pelos urros e grunhidos guturais de fazer inveja a Barney, o urso, do Cannibal Corpse, de sua vocalista Tatiana Shmayiluk que se alternam com vocais à lá The Voice, ou pela capacidade de engajamento da banda na internet, já que outros vídeos chegam próximo à marca dos 10k no YouTube. O certo é que a banda se coloca na tênue linha entre essa capacidade adaptativa do metal e seu conservadorismo estrutural inerente. O metalcore em si já é um gênero limítrofe pois advindo do crossover de bandas dos 80 como D.R.I e do hardcore metálico (Earth Crisis, Vision of Disorder), transforma o princípio da fusão em uma lei, abrindo espaço para uma oxigenação do gênero. No entanto, ao promover isso, a distinção com outros subgêneros como o groove metal e o próprio nu-metal torna-se uma jornada apenas para iniciados. Essa ausência de identidade muitas vezes faz com que o som das bandas, tal qual aconteceu no devir do manguebit, assuma uma característica genérica e formuláica. O que antes seria inovador, vira apenas a repetição de padrões como vocais guturais alternados com melódicos, mudanças repentinas de andamentos e baterias metranca.

Para ouvidos pouco treinados, Jinjer, por exemplo, pode lembrar muito os primeiros discos do Pantera e ainda remeter ao nu-metal de bandas como Korn e Slipknot. Isso faz com que a verdadeira tempestade vulcânica que sucede a calmaria melódica que vemos nas câmeras 4k do viral de “Pisces” fique parecendo apenas um show de pirotecnia de réveillon. Muda todo ano mas é sempre a mesma coisa. Segundo fontes seguras, a banda ainda flerta com dancehall e gosta de Cypress Hill. A escuta de seus outros discos não foi suficiente para desfazer a impressão de generecidade, apesar de uma música ter me pego pelas entranhas: “Who is Gonna Be the One”. Obviamente, essa impressão vem da falta de comparativo com outras bandas do estilo como Killswitch Engage e Avenger Sevenfold. Mas no caso de “Pisces” e seu fenômeno midiático, por mais que nos esforcemos, a sensação que fica é a de que este vem apenas do esquisito de sua performance e de que sua única diferença para vídeos de pandas fofos destruindo supermercados é o fato de seus protagonistas serem humanos.

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“Sobre Ratos e Homens”, de John Steinbeck [Wikipédia] | Dorsal Atlântica | Cannibal Corpse | D.R.I | Earth Crisis | Vision of Disorder | Korn | Slipknot | Cypress Hill | Jinjer, “Who is Gonna Be the One” (Ao Vivo) | Killswitch Engage | Avenger Sevenfold | “Nunca Diga Não ao Panda” [Propaganda Clássica do Egito] |

Jinjer, “Pisces”. “Ok boomer.”.
Mateus SóSucesso!

Uma brother um dia me mandou um link, como vez por outra me manda, link de música, um dos interesses da gente. Como a sintonia é a mesma, fui sacar qualera. E era o vídeo da Jinjer, banda ucraniana cuja música, “Pisces”, já chegou na marca de mais de 40 milhões de visualizações. Muito pruma banda metal e coisa e tal.

Daí, vídeo iniciado, e eu: “Putz, acho que essa turma aí é tipo uns ex guerreiros do metal fazendo uma musiquinha melosa pra isqueirinho no Geraldão (esse estádio que voltou a existir agora agorinha no meio da pandemia :0 ), putz, que saco, minha brother né de pelegar assim…” e por aí seguia. Nunca curti Alanis Morissette e toda a bagulhada radiofônica MTV – que era muita, de Sublime a The Presidents of the USA, uma banda que ainda bem que foi esquecida. Se engana aquele ou aquela que é só memória afetiva e loas e flores pra MTV, um canal que tinha realmente muito programa massa, mas que tinha também muita bagaça enlatada na programação, era um saco assistir durante o dia – o melhor era tardão da noite mesmo (aquele abraço pra tu, Massari!). Mas, enfim, falo tudo isso, só que não sou essa truezeira toda, coração menino, curto músicas de amor e tudo, só que amor dói, né?, e tipo Tori Amos, pra mim, combina mais com essa verossimilhança afetiva que aponto. Tem umas dela que são de cortar os pulsos, e Amos vem sendo esquecida sistematicamente, uma compositora com discos bem fera.

Enfim, tava lá de boa na lagoa, sacando a dos falsos metaleiros, só que o clima Alanis de repente, de repente… ahn, que porra é essa?, do nada brota uma malevolência metal. O.o PORÉM… linha Korn etc, isto é, a banda cai noutra bagaça, só que agora puxando pro nu-metal.

Vey, sou um ranheta. Nu-metal sempre foi um estilo de aborrescente leite com pêra; eu era aborrescente, mas leite com pêra tou fora. É tipo um som feito pra animar txurminha fazendo pipoca na audiência – tipo pista de dança heteronormativa, aff, né? Ou seja, esse som do conjunto Jinjer tinha tudo pra dar errado pra mim, só que, pelo contrário, deu certo. Fiquei me perguntando: o que tá acontecendo, o que se passa, qual é a minha verdade, “onde está Wally”?

Certamente, o que me deixou de cara foi a capacidade vocal de Tatiana Shmaylyuk (deixa todo mundo, né?), uma cantora e tanto essa da banda. Impressiona como ela pode ir pra picos tão extremos, como desliza de uma vibe pra outra, como ela não fica com a garganta arranhada e tossindo quando depois de interpretar o diabão volta pra miadeira grudenta da melodia – com umas horas, no final, em que alterna tudo na mesma progressão. Aliás, é curioso: “Pisces” é uma composição grudenta, fica na cabeça imediatamente, talvez por ser essa mistura da miadeira com a pipoca que digo. Mas, voltando pra Shmaylyuk, você fica: “Como pode, donde brotou essa vocalista?, né possível, só pode ser recurso de estúdio…”, porque não lembro de nada igual agora, talvez o motivo de tanta visualização no YouTube. Porém, bicho, ela canta de fato do mesmo jeito em shows facilmente assistíveis na plataforma, o que significa que “ei, isso é mesmo real, vey…”.

Não sei, mas puxando assim de memória, somente o Queen chegou perto desse fluxo insólito, de sair de um rock meio prog pra canto de ópera, do chororô pra alegria extrema etc – vide “Bohemian Rhapsody”, famosa. Só que a gangorra sonora impressa por Shmaylyuk é outra, de mundos a princípio opostos, mas talvez não nesses tempos onde, se você quiser, você escuta tudo junto e misturado. Claro, o embolhamento está piorando a cada dia, mas a possibilidade de você sair de 8 pra 80 tá a um clique. Já se podia antes, era uma prática minha e dos chegados e chegadas, só que agora tá papinha na boca, só é querer. O problema é que tem uma galera que não quer, tipo o futuro parece ser o de gente com alma engaiolada mesmo. Vejamos.

Bem, tá rolando umas surpresas, como essa faixa, que me parece sair da mesmice sectária dos gêneros. Me pergunto: essa faixa abriria a guarda de mundos fronteiriços? Essa bomba de açúcar radiofônica + malvadeza truezona faria os truezão se abrirem e abraçarem gente que vomita arco-íris? Não sei, sei lá, acho que não. Teve um monte que curtiu o vídeo, mas teve um monte que descurtiu lá – e não foi pouco.

Falei da vocalista, que é de deixar incrível, que senhor vocal!, mas o background é identicamente chuchu beleza. Muito da naturalidade com que a composição sai da miadeira estereotipada pra daí brotar o monstrão possui dívidas também com os músicos. O arranjo realmente desliza junto, o vai e vem parece natural da forma com que é colado, tipo não é um momento x que sai pra outro y, parece que x e y foram feitos um para o outro, que é “tudo a mesma dança, meu boi!”. Aliás, curioso lembrar dessa música cantada por Gil e com letra de Torquato, pois algo similar rolou no Tropicalismo brasileiro, de fundir o que seria oposto e improvável, a saber, a música popular daqui (o bumba-meu-boi da letra) com uma bagagem ocidental tanto de concerto quanto do rock (no caso da letra, o iê-iê-iê, que aparece cifrado quando se diz “ê bumba, iê-iê-iê!”). Só que é outro momento, é outra coisa, Jinjer é uma banda metal de agora e sem manifesto. Segue.

E sabe aquele cacoete de músico amostrado? Os músicos da banda têm, tipo os caras mostrando pra câmera que fazem umas aranhas nos instrumentos de cordas, que o baterista toca todas sem esforço etc, aquele praquêisso padrão. Contudo, isso tudo é menor, afinal é imagem. A naturalidade sonora toda do barulho + cuti-cuti supera essa coisa de conservatório dos rapazes. Tá odara.

Mas, olha, se tu é um millenial que acha que uma obra morre pelo spoiler, pode ser que essa canção já tenha morrido pra tu, visse? Só que eu acho, sinceramente, que tu tá perdendo muito indo atrás de “happy end” por controle remoto, afinal, a vida não se controla.

Vá por mim, millenial, saca lá, capaz de tu curtir também. Vá lá, velho, deixa de tédio, se aventure, seja feliz e se surpreenda. Um beijo pra tu.

>>Pra sacar mais, clique no amarelinho:

Geraldão [Recife Ordinário, Twitter] | “Veja as fotos do novo Geraldão, inaugurado nesta quinta-feira (24)” [Matéria do Sistema Jornal do Commercio, NE10] | Alanis Morissette | Sublime | The Presidents of the USA | Fábio Massari | Tori Amos, “Blood Roses” (Ao Vivo, 1997) | Tori Amos, Boys For Pele [Disco] | Korn | Nu-metal [Wikipédia] | Jinjer, “Pisces” (Ao Vivo, 2019) | Queen, “Bohemian Rhapsody” | Gilberto Gil & Torquato Neto, “Geléia Geral” | Iê-iê-iê [Wikipédia] |

Jinjer, “Pisces” – “Fez que foi, não foi, e acabou não fondo mesmo”.
Aroldo SóSucesso!

Uma apresentação metalcore editada de modo ultra-clean, mas sem playback (e portanto de acordo com a ética do metal), de uma música mediana, e temos uma sensação de YouTube. Três anos na plataforma e 50 milhões de visualizações para algo ainda longe da escala dos mega-eventos de R&B não é de se desprezar, mas a música e o vídeo são.

Aos fatos: a banda ucraniana Jinjer é underground? Não. Os videoclipes, as vendas, as apresentações lotadas, tudo isso não é underground; Jinjer é nota de rodapé na enciclopédia gigante que é a indústria musical, mas pelo menos está lá.

O crucial para o sucesso do vídeo (de uma banda que, de qualquer modo, angaria uma média de 2-5 milhões de visualizações por vídeo) é que ele escancara visualmente a proficiência vocal de Tatiana Shmailyuk, cujo alcance vai de um registro suave a vocais guturais. Mas eu assistia àquilo me perguntando “ok, mas isso tá indo pra onde mesmo?”. O culto ao vídeo mostra como um truque sensorial bem feito é rentável em tempos de déficit generalizado de atenção.

E lá fui-me ver outros vídeos de Jinjer e de artistas similares e o metalcore a cada novo vídeo se aparentava mais a um ioiô colorido, que, a depender da habilidade do usuário, gera efeitos mais ou menos interessantes, mas que continua sendo um brinquedo, e portanto esquecível. O metalcore de Jinjer é no máximo uma montanha-russa: a sensação de vertigem some conforme o estômago se acostuma.

Essa vacuidade se arraiga em boa parte pelo desejo do público, criança carente tornada satãzinho atiçador, cujas exigências são viciosas e viciantes.

PARÁGRAFO ÚNICO: A rigor, esses problemas são pragas que assolam regularmente a música pop em geral, mas o nó aqui é o parasitismo cujo hospedeiro ideal é a vontade de ser bombástico.

E já que eu me perdi mesmo, voltemos ao ioiô, que, mesmo o de plástico, ainda surpreende nas mãos de alguém talentoso ou de alguém criativo que o desmonte e o transforme em um novo brinquedo. Acho que Jinjer quer ser esse segundo jogador, mas seus fragmentos estilísticos só me fazem pensar num método composicional baseado na aleatoriedade e falta de noção do Roletrando. Sim, estou falando de Silvio Santos. O metal, no seu pior, é uma espécie de Roletrando que se leva a sério, o cúmulo do kitsch, a buscar epifanias através do Yin do chororô sentimental e do Yang das guitarras libertadoras (ou o contrário, sei lá), numa dinâmica narrativa de saga épica em que a calmaria precede a batalha que precede o triunfo que precede o período de refração pós-ejaculatória.

“Mudando de assunto”, apesar de não ser reacionário a ponto de acreditar em incompatibilidade absoluta na música, já me deparei com algo que só a falta de senso de ridículo fruto da canalhice extrema é capaz de criar: a venalidade do (prepare-se) rap sertanejo que ouvi numa bodega gaúcha é tão integral ao som que gruda como cola de fezes ao ouvido. Jinjer não é canalha, mas sua experimentação soa tão artificial que essas misturas de sons antípodas resvalam pro contrário da intenção original, o som se torna monótono como um teste de Rorschach, imagens fragmentadas mas simétricas, em que só se veem morcego, borboleta e focinho de cachorro. Em “Pisces”, Tatiana canta uma melodia agradável e esquecível apenas para contrastar com a parte pesada da música. Jinjer não é coerente como John Zorn e Mike Patton, porque acredita demais em coesão, e a coerência desses artistas nasce justamente de mandar a coesão pro espaço. Jinjer bota tudo no automático: parte lenta suave, vocal gutural, repita 3x. Seu público não é reacionário como o de artistas corporativos, mas a cena mesma, por mais organicamente estabelecida, já se basta como tirana de si própria.

Talvez o lado tirânico do público, em seu aspecto sexista, também ajude a explicar por que há tantos dislikes em uma música que parece ter todas as qualidades musicais pra ser um hit do gênero. Os comentários sobre a beleza de Tatiana aparecem com muita frequência. Às vezes, comenta-se antes sua competência, talvez pra evitar a acusação de sexismo . Do outro lado da mesmíssima moeda, uma mulher competente que se preocupa com a aparência talvez seja o pecado máximo para alguns fãs, mesmo que ela apenas use um pouco de maquiagem de tons escuros, “gótica”, e se vista dentro dos padrões estéticos do gênero, assim como o resto dos integrantes, de quem não se elogia a beleza mas nem tampouco são desmerecidos por seu gênero.

As mudanças dos tempos se dão aos trancos e barrancos, e às vezes se avança aqui pra retroceder ali. Visto em panorama histórico, o metal tem um histórico de preconceito ao que não seja homem, branco e heterossexual. Faz sentido que esse comportamento ganhasse espaço e vazão em uma música que emula arquétipos masculinos não só de força bruta, mas, talvez principalmente, de poder. Como a mudança de mentalidade do público contemporâneo se dá cada vez mais rápido, o processo é heterogêneo e a velha mentalidade encontra um jeito de se manifestar, muitas vezes mascarada sob seu suposto contrário, no caso dos elogios à beleza de Tatiana, e em outros casos, através de acirramento de reacionarismo latente em figuras como Phil Anselmo.

É árdua a batalha, e talvez, conforme minorias tentem se firmar, seja ainda mais pras mulheres. Os obstáculos não são fáceis, mas têm sido enfrentados. Rob Halford, por exemplo, demorou a assumir-se gay mas sua imagem pública mudou pouco. Mas Rob é um caso raro dentro das grandes bandas de metal e provavelmente o fato de ser um ícone do gênero tenha lhe conferido alguma proteção. As coisas só vão mudar quando divisões equalitárias se tornarem comuns. Fora do metal, há poucas bandas na história do rock exclusivamente femininas ou mistas. O metal, na verdade, é só o caso mais óbvio de um velho problema.

>>Pra sacar mais, clique no amarelinho:

Roletrando [Programa Sílvio Santos, 1992] | “Estilo Kitsch”, por Ana Lucia Santana [Matéria] | “O que é Yin Yang?”, por Kenji Takada [Matéria] | Teste de Rorschach [Wikipédia] | John Zorn | Mike Patton | “Rob Halford revela como foi assumir-se gay à MTV em 1998”, por Igor Miranda [Matéria] | Judas Priest, “Painkiller” | The Runaways, “Cherry Bomb” | Volkana, “Darkness” |

>FICHA TÉCNICA:

Jinjer é:
Vocal: Tatiana Shmaylyuk.
Guitarra: Roman Ibramkhalilov.
Baixo: Eugene Abdiukhanov.
Baterista: Vlad Ulasevich.

Direção do Videoclipe: Oleg Rooz.

Gravação: Istok Studio (Quieve, Ucrânia).
Mixagem: Max Morton (Morton Studio).

Por volta da década de 1960, quando a indústria fonográfica bombava, surgiu um termo para um fenômeno típico do período: “one-hit wonders”, que em português livre significa “delicinhas de um sucesso só”. O termo se referia a bandas em geral estadunidenses, muitas delas de garagem, que conseguiam emplacar sucessos – geralmente regionais – que suplantavam o próprio conjunto e sua discografia. Nem sempre condizente com os fatos, posto que muitas destas bandas também tiveram grandes discos para além de apenas grandes faixas, eram pequenos sucessos que ao longo se tornariam referências de uma era, não raro sucessos tornados undergrounds pela ação inexpugnável do tempo.

Nós, da SóSucesso!, escolhemos seguir esta pista e daí então escrevinhar críticas sobre algumas faixas ao nosso ver significativas deste ou daquele artista. Os critérios para a escolha das composições vão desde sua relevância social neste último período (as canções de Jinjer e Desiigner certamente se enquadram fácil neste quesito), à própria natureza de um determinado gênero, como a EDM – ou “eletrônica dançante” –, que muitas vezes desenvolve-se em torno de “tracks” (aqui representada por Jürgen Paape), a apenas e tão-somente o capricho de nossa preferência pessoal com relação a um determinado compositor (O Conde Só Brega, com tantas e tantas faixas de destaque, tem para nós a quase obscura “Cheli” como sua faixa + q d+).

Como tudo, talvez as nossas escolhas gerem controvérsia pelo método usado. Mas o que fazer quando o próprio nome do blog, e da equipe que faz o blog, são contrários aos fatos, ou seja, um blog e uma equipe que tratam fundamentalmente de um monte de, ér, digamos, peças fora da curva? Foi triste.

Esperamos, ao menos, que os textos lhes sejam agradáveis. Assim como a curadoria, claro.

Pedimos, sem mais, que por ora deixem os ouvidos de lado, e ponham seus respectivos olhos nas mal traçadas que seguem. Isto é: leiam, garay!